LA FLAUTA

 

FLAUTA DULCE

INTRODUCCIÓN

La flauta dulce es un instrumento que ha recuperado el esplendor de antaño gracias a la lucidez y perseverancia de la musicología. Paulatinamente, el público en general destierra la tan arraigada idea de que dicho instrumento no es más que un juguete.

Cuando en el siglo XVIII se abandonaba la costumbre de tocar en castillos y salones reales y el teatro iba convirtiéndose en el marco musical preferido, se vio que la flauta dulce era, y es, de sonido pequeño para ese nuevo auditorio. Así que se la relegó a círculos muy especializados donde imperaba el gusto por la música de cámara antigua. Con el paso del tiempo y el advenimiento de la sonoridad sinfónica, la flauta dulce quedaba postergada definitivamente en el “rincón de los olvidos injustos”.

Pero el interés creciente a lo largo del primer cuarto de este siglo por lo anterior al Romanticismo, época que había supuesto un desbocamiento de las pasiones en toda interpretación, hizo que se recuperara el aspecto científico de la música. De ahí surge el Historicismo, una corriente que ahonda en los orígenes propiamente dichos tanto de la ejecución como de la interpretación. Y en el seno de este afloramiento vuelven a la luz, junto a infinidad de violas, la flauta dulce.

Y muestra de la concienciación que toma la cultura occidental es que la flauta dulce sea ya una asignatura oficial en los conservatorios de Europa, materia parangonable a otros instrumentos de una larga tradición académica. Hoy, la flauta dulce abunda en los conjuntos de cámara y, con frecuencia, se programa en los conciertos y en la radiodifusión, medios que corroboran el gran alcance técnico y expresivo que la flauta dulce posee.

Historia y características

La flauta dulce es resultado del desarrollo que experimentan los silbatos y las flautillas rectas de carácter popular. Ciertamente, no hay datos iconográficos del todo exactos acerca del instrumento: se habla vagamente de flautas con seis agujeros en sus principios. Un modelo de Dordrecht, que se conserva en buen estado, es una de las piezas más estimadas por el Gemeentenmuseum (La Haya, Países Bajos), lugar donde volvió a la luz tras desenterrarse del foso arcilloso del castillo de Merwede.

En cuanto a orígenes artísticos, no será hasta el siglo XIV, en Italia, cuando la flauta dulce aparece también en otras expresiones. Una dama, en el conocido fresco “Schifanoia” (Ferrara, Italia), cuyo autor es Francesco de Cossa, sujeta dos instrumentos, similares a los siete que guarda la Academia Filarmónica de Boloña. Aunque la Edad.

Setenta y seis flautas, metidas en cajas con más instrumentos, constituyen el inventario de Enrique VIII. En el tratado de Michael Praetorius se registran ocho modelos, reflejados también en su “Theatrum instrumentorum”, de 1620. La llamada flauta “de Ganassi” es otra de las variedades renacentistas y se parece a un instrumento que se ha reconstruido a partir de un ejemplar del Museo de Historia del Arte de Viena, una flauta que se encontraba bastante deteriorada.

La progresiva ampliación de miembros de una misma familia instrumental fue muy corriente a lo largo de los siglos XVI y XVII. Los Hotteterre contribuyeron muchísimo al perfeccionamiento de la flauta dulce. Prácticamente, todos ellos pertenecieron a la “Grande Écurie´” de Luis XIV y XV y en mayor o menor medida incidieron en los avances técnicos de los aerófonos de madera.

1535 es el año en que se publica el primer manual de flauta dulce, concretamente en Venecia. En la primera mitad del siglo XVI se editó los primeros libros de interés para el instrumento, tales como los de S. Virdung, S. Ganassi o Ph. Jambe de Fer.

Define a la flauta dulce una técnica relativamente sencilla con digitación (de la que se hablará) fácil de memorizar. Por eso, tanto el virtuoso como el aficionado que toca por mero entretenimiento nunca quedarán insatisfechos: la emisión del sonido (de lo más espontánea) y la variedad de articulaciones (mediante toques de lengua sutiles que permiten mucha agilidad) aportan unas cualidades que le hacen superior a otros aerófonos. Sin embargo, resulta difícil equilibrar la corriente de aire (similar al “fiato” del cantante), y en esta limitación dinámica, donde el intento de contrastar un “forte” de un “piano” puede traer consigo desafinaciones, se opta por el “rubato” así por un criterio de articulación asequible: soplido corto para el “piano”, y largo para el “forte”.

¿Por qué suena como suena?

En aproximación, se puede contestar a la pregunta remontándonos a lo más rudimentario e ingenuo del campo: desde aquella “cañita” hasta estas joyas en ébano se oye un timbre que ha conmovido a generaciones enteras y por el cual, atinadamente, los poetas bautizan al instrumento como el nombre de “flauta dulce”.

Profundizando en otras lenguas, vemos que los angloparlantes usan el vocablo “recorder”, que según el erudito Christopher Welch (1911) deriva del verbo “to record” que, entre otras cosas, significa “cantar como un pájaro”, hecho patente al oír al miembro más agudo de la familia (sopranino).

La filología musical se decanta también por una acepción muy en consonancia: “tararear dulcemente alguna canción”. Personalmente, yo me inclinaría más por lo que oí decir a Montserrat Sanuy respecto a la palabra “recordar”, que significa en toda su pureza etimológica “llevar en el corazón”.

Partes de la flauta dulce

Las partes de la flauta dulce son principalmente la cabeza, el cuerpo y la base o pie. A su vez, puede distinguirse entre distintos elementos en cada una de estas partes.

La cabeza es la parte superior de la flauta e incorpora la boquilla a través del cual debe soplarse para tocar el instrumento. El flujo de aire introducido se divide en dos al llegar al bisel. Una parte del aire es dirigida hacia el exterior del instrumento a través de la abertura y otra continúa circulando a lo largo del cuerpo de la flauta.

El cuerpo es la parte central de la flauta y donde se encuentran la mayor parte de los orificios utilizados para tocar las notas. En su parte frontal se encuentran seis de los siete orificios utilizados para tocar distintas notas. En su parte trasera se encuentra el orificio portavoz, que se tapa con el dedo pulgar de la mano izquierda.

La base o pie es la parte inferior de la flauta dulce. En ella se encuentra un solo orificio, aunque en los modelos de más calidad puede ser un orificio doble.

Si bien es cierto que existen flautas dulces de una sola pieza, normalmente es posible separar la flauta en dos o tres piezas. Esto facilita la limpieza del instrumento. En algunos casos solo es posible separar la flauta en dos piezas: cabeza y cuerpo. En los modelos de más calidad es posible separar también la base. Esto permite además ajustar su posición para adaptarla a los dedos del usuario.

Tipos de flauta dulce y sus características

La flauta dulce, también conocida como flauta de pico, es un instrumento de viento formado por un tubo cilíndrico, contiene ocho orificios, siete de ellos están situados en la parte delantera y uno en la trasera. Los primeros datos sobre la flauta dulce se remontan al siglo XVII, cuando se llevaron a cabo algunos cambios en la flauta al uso. Las innovaciones permitieron esta marca en una tesitura de dos octavas y media cromáticas, y la obtención de un timbre más «dulce» que los modelos anteriores. Ésta se compone en tres partes: cabeza, cuerpo y pié.

En cuanto a los tipos de flauta dulce que existen, se pueden clasificar por su material, su tesitura, su tonalidad, su digitación, su afinación… Sin embargo, la forma más usual de clasificar las flautas dulces es el tema que concierne al tamaño. Debemos decir que cuando una flauta es más grande, ésta llegará a notas más graves y al revés.¿Cuántos tipos de flauta dulce hay y qué características tienen?

1. Piccolo: es la flauta que tiene el sonido más agudo de todas. Normalmente está afinada en Do y casi siempre se confecciona en una sola pieza, debido a su pequeño tamaño

2. Sopranino: esta flauta va desde la nota FA de la quinta octava del piano, hasta el SOL de la séptima octava (última octava del piano)

3. Soprano: cabe decir que ésta es la más utilizada. Normalmente se emplea en clases de música para niñ@s, ya que es muy fácil de manejar y ejecutar

4. Contralto: la flauta dulce contralto, también conocida como flauta dulce alto, tiene una tesitura más baja que la tipo soprano. Tiene un gran tamaño y, por tanto, su uso es más complejo

5. Tenor: es más grave que la contralto y, sobre todo, es más difícil de manejar. Aunque existen modelos de tipo tenor con llaves para poder llegar a las notas más graves, las más difíciles de tocar

6. Bajo: la flauta dulce tenor está entre tesitura la tipo tenor y la tipo gran bajo en cuanto a tesitura

7. Gran bajo: por último, la gran tenor se caracteriza por su enorme tamaño, es la más grande de todas. Debido a esta cuestión, necesita un soporte para poder tocarlo en posición vertical. Normalmente la podemos comprar de manera desmontable, en 4 o 5 partes.

Jóvenes estudiantes para la siguiente se necesitara una FLAUTA DULCE, se recomienda las marcas: Yamaha, Honner

ESCALAS MENORES

 

En el caso de la escala menor, a menudo alteramos las notas de los grados VI y VII. A pesar de que en realidad es la misma escala, tradicionalmente clasificamos la escala menor en uno de tres tipos.

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ESCALA ANTIGUA

ESCALA MENOR NATURAL O ANTIGUA

En la escala menor natural, todas las notas aparecen con las mismas alteraciones de su relativo mayor. De ahí el nombre de natural:

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Audio de la Escala Menor

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ESCALA ARMÓNICA

ESCALA MENOR ARMÓNICA

A menudo encontramos el VII grado (séptima nota) de una escala menor alterado ascendentemente. Esta escala la conocemos por el nombre de escala menor armónica. El nombre se debe a que una de las razones para la alteración del VII grado (séptima nota) es de índole armónico. 

En esta escala la séptima nota (VII Grado) es SOL y esta alterado por un # (sostenido) por los cual seria SOL# (sol sostenido)

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Audio de la Escala Armónica

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ESCALA MELÓDICA

ESCALA MENOR MELÓDICA

Además de alterar el VII grado (séptima nota), podemos también alterar el VI grado (sexta nota). Esta escala recibe el nombre de escala menor melódica. El propósito principal de esta alteración es facilitar el movimiento melódico del VI al VII grado, evitando la segunda aumentada que se forma en la escala menor armónica. Por esta razón se le da el nombre de melódica:

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Audio de la Escala Menor Melódica

Acostumbramos escribir la escala menor melódica con las alteraciones en su forma ascendente pero igual a la menor natural cuando desciende:

Repasar esta sesión para el inicio del III trimestre.

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ESCALAS MAYORES

 

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Escalas

¿QUÉ ES UNA ESCALA?

Una Escala es un conjunto ordenado de notas en sucesión. Este conjunto de notas tiene un orden específico, el cual se traza generalmente en tonos y semitonos.

Existen muchos tipos de escalas, y básicamente podrías estar toda una vida estudiándolas y descubriéndolas. Pero para efectos de esta lección, me limitaré a mostrarte la escala que es considerada la “madre” de todas las demás: la escala mayor.

LA ESCALA MAYOR

La Escala Mayor está formada por una secuencia o patrón de 2 tonos, 1 semitono, 3 tonos y un semitono (en ese mismo orden).

(Si no sabes lo que son tonos y semitonos, consulta la lección Intervalos: La Distancia entre las Notas Musicales).

A continuación una Escala Mayor comenzando desde la nota Do. Los tonos han sido identificados con “T” y los semitonos con “S”:

Es importante notar que para que una secuencia de notas sea clasificada como escala mayor, ésta tiene que tener esta misma secuencia de tonos y semitonos, no importando la nota en que empiece la secuencia. Por tal razón, cuando construimos escalas mayores empezando en otras notas diferentes a Do, es necesario utilizar sostenidos o bemoles para mantener este patrón de tonos y semitonos. Por ejemplo, veamos una escala mayor empezando en Re:

En el ejemplo anterior fue necesario utilizar dos sostenidos para mantener el patrón de tonos y semitonos al construir la Escala Mayor:

1. Entre las notas Mi y Fa normalmente hay un semitono, pero el patrón requiere un tono, por lo que se colocó un sostenido a la nota Fa para aumentar la distancia entre ellas a un tono. Esto, a su vez, provoca que haya un tono entre el Mi y el Fa#.

2. Entre las notas Si y Do también hay un semitono, pero el patrón requiere un tono, por lo que se colocó un sostenido a la nota Do para aumentar la distancia entre ellas a un tono. Esto, a su vez, provoca que haya un tono entre el Si y el Do#.

No siempre se utilizan sostenidos; hay ocasiones en que se utilizan bemoles para mantener el patrón. Mira el siguiente ejemplo:

En el ejemplo anterior, fue necesario utilizar un bemol para mantener el patrón de tonos y semitonos al construir la escala mayor de Fa. Entre las notas Si y Do normalmente hay un semitono, pero el patrón requiere un tono, por lo que se colocó un bemol a la nota Si para aumentar la distancia entre ellas a un tono. Esto, a su vez, provoca que haya un semitono entre el La y el Sib.

¿Cuándo se utilizan sostenidos y cuándo se utilizan bemoles para construir una escala mayor? Existen unas normas preestablecidas para la construcción de escalas, las cuales veremos con mas detalle a continuación.

ARMADURAS DE CLAVE Y TONALIDAD

En la sección anterior aprendimos sobre la estructura de la escala mayor. Por ejemplo, si deseamos formar una escala mayor a partir de la nota Mi tendríamos lo siguiente:

Ahora bien, si tuviésemos que escribir las notas de esta escala varias veces (como sucede en una situación real) sería muy tedioso estar colocando sostenidos (o bemoles, en el caso de otras escalas) al lado de cada nota cada vez que se repita. De todos modos, si estas notas (Fa#, Sol#, Do#, Re#) siempre van a ser sostenidas no importando cuantas veces se repitan, ¿por qué no existe una forma de evitar el tener que escribir los mismos sostenidos (o bemoles, en otro caso) una y otra vez? La Armadura de Clave es la herramienta que nos evita este tedioso trabajo.

La Armadura de Clave es el conjunto de alteraciones (sostenidos o bemoles) que aparecen al principio del pentagrama, justo al lado de la clave. Éstas alteraciones nos indican que notas se ejecutarán sostenidas o bemolizadas. Como las alteraciones están escritas al principio, ya no es necesario escribirlas al lado de cada nota. Veamos el ejemplo anterior, esta vez utilizando la Armadura de Clave:

Al escribir las alteraciones al principio, ya no es necesario escribirlas al lado de cada nota. De hecho, las alteraciones de la armadura tienen efecto en todas las instancias de una nota, no importa donde se escriba. Por ejemplo, en la Escala anterior una de las notas sostenidas, de acuerdo a la armadura, es Fa:

Sin embargo, este Fa también es sostenido debido a la armadura:

Lo mismo sucede con las notas Do, Sol y Re.

A diferencia de las alteraciones regulares, que sólo duran un compás, las alteraciones colocadas al principio (la Armadura) son permanentes mientras dure la canción u obra musical. Ahora, cualquiera de alteraciones de la armadura puede ser cancelada temporeramente (por espacio de un compás) utilizando un becuadro. Al terminar ese compás, la alteración que aparece en la armadura vuelve a tener efecto.

¿QUÉ ES TONALIDAD?

En situaciones reales, las notas de las escalas no necesariamente aparecen en orden, sino que estas notas se combinan de forma creativa para crear los sonidos deseados. En otras palabras, las escalas son los “bloques de construcción” con los cuales se crean los diversos elementos sonoros de la música. De ellas salen las melodías y las armonías (como, por ejemplo, los acordes).

Afortunadamente no tenemos que buscar las notas alteradas y construir escalas cada vez que sea necesario buscar la tonalidad de un fragmento musical, pues con simplemente mirar la Armadura podemos saberlo. Para eso es necesario conocer las diferentes armaduras posibles y la tonalidad o escala a la cual representan.

A continuación una tabla de las tonalidades con armaduras que utilizan sostenidos:

Si observamos cuidadosamente, los sostenidos se añaden en un orden específico en la armadura. Este orden es: Fa, Do, Sol, Re, La, Mi, Si.

Ahora veamos las tonalidades o escalas que utilizan bemoles en su armadura:

El orden en el cual se añaden los bemoles a la armadura es inverso al de los sostenidos: Si, Mi, La, Re, Sol, Do, Fa.

Sólo nos queda una tonalidad que no aparece en ninguna de las tablas anteriores: Do mayor. ¿Por qué? Porque en la escala de Do mayor todas las notas son naturales; no hay sostenidos ni bemoles. Por tal razón, la armadura de Do mayor no tiene alteraciones.

Hay una forma muy sencilla de memorizar las tonalidades de las armaduras:

• Para los sostenidos: si miramos el último sostenido que aparece en la armadura y le subimos un semitono, éste nos dirá la escala a la que representa. Por ejemplo, en esta armadura.

El último sostenido es Do#; al subirle un semitono a Do# tenemos un Re, el cual es la escala representada en esta armadura.

• Para los bemoles: un solo bemol es Fa mayor. En armaduras con dos bemoles o más, el penúltimo bemol (de izquierda a derecha) nos dice la escala representada. Por ejemplo, en esta armadura.

el penúltimo bemol es Mib, el cual nos dice que la armadura corresponde a Mib Mayor

Jóvenes repasar todas las sesiones del II Trimestre, para la evaluación del Martes 29 a las 4:00pm.